Als die Macher des amerikanischen Magazins Gourmet 2004 einen Autor suchten, der über das größte Hummerfestival der schrieb, kamen sie ausgerechnet auf David Foster Wallace. Der dachte gar nicht daran, dem Leser Lust auf den Verzehr von Hummer zu machen. Die Reportage über das Maine Lobster Festival wurde trotzdem abgedruckt. In diesen Tagen erscheint der Artikel in deutscher Übersetzung in Buchform unter dem Titel Am Beispiel des Hummers.

Zunächst berichtet David Foster Wallace so, wie er es schon in seiner Reportage über eine Kreuzfahrt gemacht hat (Schrecklich amüsant, aber in Zukunft ohne mich). Mit einer Mischung aus Neugierde und Ironie betrachtet er die Menschen und Gewohnheiten auf einer Veranstaltung, bei der sich alles um den Hummer dreht.

Schnell aber kommt Wallace zu seinem eigentlichen Anliegen. Den Großteil des Textes beschäftigt er sich bis ins Kleinste mit der Frage, ob das Kochen von Hummern ethisch vertretbar ist. Da der Hummer dieselben Botenstoffe für Schmerz wie der Mensch hat, stellt er fest: „Der Hummer verhält sich nicht anders, als wir uns verhielten, würde man uns in kochendes Wasser werfen.“ Die Details führt er in den Fußnoten weiter aus, die er wie so häufig auch in diesem Text einsetzt.

So wird aus einer Auftragsarbeit ein böser, kluger Essay, der sich mit den Essgewohnheiten des Menschen auseinandersetzt. Hummer will danach auf jeden Fall niemand mehr zu sich nehmen.

Am Beispiel des Hummers hat knapp 80 Seiten und kostet 12 Euro. Wer des Englischen einigermaßen mächtig ist, kann sich die Original-Version hier kostenlos als pdf herunterladen. Die englische Version von Schrecklich amüsant, aber in Zukunft ohne mich kann man sich hier ebenfalls kostenlos herunterladen.

Sebastian Dalkowski

Band: klez.e

Ort: b72, Wien

Datum: 01.03.2009 – 14.03.2009

Immer mehr experimentierfreudige Bands verlassen die ausgetretene Klangspur von Gitarre+Bass+Schlagzeug und verwenden im Studio allerhand Instrumentarium. Die Besetzungsliste des dritten klez.e-albums „Vom Feuer der Gaben“ spricht wohl für sich: „Akkordeon, Bass, Beatbox, Bläserensemble, Cantus Domus Chor, Chor, Didgeridoo, Doepfer A100 Modularsystem, Elektroprogrammierung, Gaffa, Gesang, Gesungener Bass, Gitarren, Glockenspiel, Hackbrett, Harmonium, Heidelberger Schnelldruckpresse, Keyboards, Kirchenorgel, Klavier, Ms10, Paradies, Percussion, Reißverschluß, Samples, Schlagzeug, Schuh, Streichorchester “Wolf-Ferrari-Ensemble„, Thüringer Waldzither, Zeitung.“
Ob die sympathische Berliner Band all dies auf die Bühne mitbringen wird? Die Antwort gibts schon bald in Deiner Stadt. Sicher ist jedenfalls, dass es eine Menge neuer Lieder zu hören geben wird.

Weitere Tourdaten:
26 Feb 2009 Scheune Dresden
27 Feb 2009 MUZ Nürnberg
1 Mar 2009 B72 Wien
2 Mar 2009 Heimat Regensburg
3 Mar 2009 franz.K Reutlingen
4 Mar 2009 Kulturladen Konstanz
6 Mar 2009 Objekt 5 Halle
7 Mar 2009 UT Connewitz Leipzig
8 Mar 2009 Klex Greifswald
9 Mar 2009 Knust Hamburg
10 Mar 2009 Lido Berlin
11 Mar 2009 AMP Münster
12 Mar 2009 Kulturbunker Köln
14 Mar 2009 Orangehouse München

Katharina Litschauer

Album: The Pains Of Being Pure At Heart

Plattenfirma: Fortuna Pop / Cargo

Bewertung: 9/9

Doing All The Things That Woudn’t Make Your Parents Proud heißt ein Song der New Yorker Newcomer The Pains Of Being Pure At Heart, und das ist doch glatt gelogen. Nicht umsonst bezeichnet sich die Band aus Brooklyn in einem Interview als „Ramones in Anoraks“. Ein weiterer Song hört übrigens auf den Namen Kurt Cobain’s Cardigan und damit wären auch die musikalischen Referenzgrößen der Twentysomethings zeitlich mehr als passend abgesteckt.

The Pains Of Being Pure At Heart bewegen sich auf ihrem gleichnamigen Debütalbum gnadenlos geschmackssicher durch die späten 80er und frühen 90er und lassen in nur zehn Songs das oftmals für tot erklärte Shoegaze-Genre wiederaufleben und versetzen damit reihenweise die Kritiker in Verzückung.

Ob es an dem wunderschön-grobkörnigen auf Super 8 gedrehten Videoclip des nicht minder famosen Songs Everything With You liegt? Oder daran, dass die Musiker wie so ziemlich alle guten Bands derzeit aus Brooklyn kommen? Oder hat einfach nur der schrecklich-schöne pathetische Bandnamen Schuld?

Davon bitte übrigens nicht abschrecken lassen! Denn das was die Band in rund 35 Minuten auf ihrem Erstling abliefert, strotzt nur so vor wohldosierter jugendlicher Unbeschwertheit, inklusive einiger melancholischer Momente an den richtigen Stellen. Klar erinnert das streckenweise an The Smiths, My Bloody Valentine oder The Jesus And Mary Chain. Noch dazu klingt Sänger Kip wie ein junger Morrissey (minus das Selbstmitleid) wenn er fragend singt „Are you with me?“ nur um kurz darauf selbst die unbekümmerte Antwort zu geben „I’m with you and there’s nothing left to do/ Tell me it’s true /… And the stars are crashing through/ I want everything with you!“ Wer sich da nicht wieder wie mit siebzehn fühlt, hat die 80er verpennt.

Und darin liegt auch der entscheidende Unterschied zu all den anderen Shoegaze-Bands. TPOBPAT singen lieber von verliebten Teenagern (A Teenager In Love) als von Teenage Angst. Feiern lieber drinnen als draußen („Come Saturday / Who cares if there’s a party somewhere / We’re going to stay in“) und wenn schon das Thema Sex fällt dann bitteschön nur im Zusammenhang mit einer Bibliothek (Young Adult Friction).

Fazit: Etwas Besseres als dieses adrett gekleidete Quartett von der amerikanischen Ostküste wird die Indiecrowd dieses Jahr nicht mehr so schnell auf die Ohren bekommen. This Band Is Fucking Right!

Katja Peglow

Band: When the music’s over

Platte: Escape I + II

Plattenfirma: Monkey

Bewertung: 7/9

Im Januar 2006 hat JUSTmag die Musik von When the music’s over zum Vorstellungsgespräch gebeten. Das Debütalbum der österreichischen Band hatte vor allem eines geschafft: Sie hat uns neugierig gemacht auf das, was da noch kommen würde. Jetzt gibt es den Nachfolger: Escape I+II heißt die aktuelle Platte und die bitten wir jetzt zum Mitarbeitergespräch.

Schwungvoll öffnet sich die Tür, und When the music’s over betreten selbstbewusst aber ruhig den Raum. Der Personalchef blickt von seiner Arbeit auf, und glaubt im ersten Moment, dass Interpol hereingekommen sind. Doch dann erkennt er den typischen Sound von Hannes Duscher & Co. „Allzu sehr verändert habt ihr euch wohl nicht“, will er gerade sagen, als plötzlich ein keckes Bassriff eine Runde durch das Zimmer tanzt und dann eine kurze disco-eske Passage die Gitarren ablöst. „Ihr habt wohl einiges dazugelernt“, sagt er also stattdessen und die Band erzählt von neuen Soundgefielden, die sie betreten hat. Elektronische Beats (I won’t), jazzige Grooves und Folk-Anklänge (Silence) beweisen, dass diese Musik in der Lage ist, Anregungen von Kollegen aufzunehmen. Der wohl wichtigste Einfluss war mit Sicherheit Wolfgang Schlögl, ein langjähriger Mitarbeiter in Österreichs Musikszene, der unter anderem in den Abteilungen I-Wolf und Sofa Surfers beschäftigt ist und auf Escape I+II sowohl eine Beraterrolle angenommen als auch viel Eigeninitiative eingebracht hat.

Diese Form von Teamwork ist beim Chef natürlich gerne gesehen. „Und wie ist es mit den anderen Kollegen, kommen die mit eurer manchmal sehr, ähm, direkten Art klar?“, fragt er. WTMO nehmen diese Bemerkung als Kompliment, denn der geradlinige, ein bisschen raue Rock ist nach wie vor einer ihrer charakteristischen Wesenszüge (Crankin’ Up, Run). Doch dann beantworten sie die Frage mit einem klaren „Ja“, denn auch weichere Seiten kommen inzwischen zum Vorschein, und Songs wie „All the things“ könnte man im positiven Sinn umgänglich und eingängig nennen, mehr Pop als alle anderen Stücke, und damit werden sich sicher sehr viele unterschiedliche Menschen identifizieren können.

Mehr Experimentierfreude hatte der Personalchef beim Debüt von WTMO gefordert und er ist erfreut, dass genau dies nun zu hören ist: Die Songstrukturen sind unkonventioneller geworden (Escape (with me), End of conversation), und das Klangspektrum vielseitiger, ohne dabei beliebig zu wirken. Diese Band ist sich treu geblieben und strebt doch nach neuen Erfahrungen und sowas macht sich bezahlt.
„Eine Gehaltserhöhung ist auf jeden Fall drin für euch“, meint der Chef, und setzt dann nach: „Aber ruht euch nicht auf den Lorbeeren aus — nach eurer wirklich guten Studioleistung erwarte ich jetzt vor allem viel Engagement bei Außenaufträgen. Also live spielen, was geht, Freunde!“

Zum Ende des Gesprächs (End of conversation) dann wieder das gleiche charmante Lächeln wie einst. Das alte Klavier durfte auch auf dieser Platte den Schluss gestalten. Vielleicht hat es beim nächsten Mal eine präsentere Rolle? Wobei, da waren doch so viele neue kleine Soundgesichter, die kurz hervorblitzten, alles konnte man sich da gar nicht merken. Gut, dass ich mitgeschnitten habe, denkt der Personalchef, drückt auf Play und taucht nochmal ein in Escape I+II.

Fazit: WTMO haben sich stark weiterentwickelt. Hier ist eine Band auf dem Weg dazu, eine Referenzgröße in der österreichischen Musiklandschaft zu werden.

Katharina Litschauer

Band: And You Will Know Us By The Trail Of Dead

Platte: The Century of Self

Plattenfirma: Suberball Music/SPV

Bewertung: 8/9

Vor ein paar Jahren haben And You Will Know Us By The Trail of Dead in Deutschland gespielt. Conrad Keely stand vor dem Konzert im Publikum. Niemand beachtete ihn. Nach einer Weile ging er zu einer kleinen Gruppe und sagte: „Hi, I’ve come all the way from America to see these guys.“ Er grinste cheeky, drehte sich um und ging. Die Gruppe erwachte zum Leben. Sie tuschelte: „Mensch, das war doch der Sänger selber. Häh?“ Da war Conrad Keely selbst schon längst die Treppen hoch zur Bühne gestiegen. Wenig später wird er seine Gitarre ins Publikum halten und das Publikum darauf spielen lassen. Sie rutscht ihm fast aus seinen schweißnassen Händen.

Das ist Kraft, das ist Energie, das ist das, was jedes Red Bull verspricht und nie hält. Trail of Dead sind das bessere Red Bull. Das hat sich auch ein paar Jahre nach dem Konzert nicht geändert. The Century of Self beginnt mit „Giant Causeway“ und das ist ein Kracher; Gitarren, von denen Postrock noch etwas lernen kann; ein Schlagzeug, zu dem man besser moschen kann als zu Motörhead. Und das Beste: Diese Kraft lässt auf The Century of Self nicht eine Sekunde nach. Das, was das Konzert zu gefühlten 10 Minuten Länge, 10 Litern Schweiß und 10 Tonnen Adrenalin schrumpfen lässt, funktioniert auch auf The Century of Self. Du hättest Wäsche aufhängen sollen? Geht nicht, muss rocken. Du wolltest dich für die Party fertig machen? Ist egal, die Party ist hier. The Century of Self lässt so ziemlich alles vergessen, was nebenbei passiert und alles, was parallel zu The Century of Self passiert, ist irgendwie nebenbei. Es ist wunderbar, die Faust in der kurzen, abrupten Pause zwischen „Isis Unveiled“ und „Halcyon Days“ in die Luft zu werfen.

Und das einzige, was noch besser ist als das: The Century of Self lässt auch Luft zum Atemholen. Es funktioniert auch beim konzentrierten Zuhören. Erst dann werden die Feinheiten, die Gefühle sicht… hörbar, die The Century of Self von Knüppelrock unterscheidet. Da wird „Pictures of an only Child“ zur Ballade. Da wird „Luna Park“ zum traurigsten Liebeslied der Welt und „Fields of Coal“ zum Revolutionslied. Das aber nur für den, der sich die Zeit nimmt, The Century of Self zu hören und das Rocken erst mal hintenanstellt. Denn zum Glück ist Musik manchmal mehr als Unterhaltung und manchmal merkt man Musik auch an, dass ihre Macher sich mit mehr beschäftigen, als nur mit der Anzahl ihrer verkauften Platten. Auch wenn Conrad Keely seine Gitarren bei Konzerten zertrümmert und Kevin Allen bestimmt unzählige Drumsticks auf dem Gewissen hat, glaube ich, dass sie zuhause Instrumente stehen haben, denen sie so etwas nie antun würden, weil sie sie lieben. And You Will Know Us By The Trail Of Dead sind sicher eine der Bands, die Musik als das betrachten, was sie ist: Kunst und eine Möglichkeit, etwas auszudrücken, manchmal auch alle die Gefühle, für die wir sonst keine Worte finden.

Conrad Keely sagt zu dem Album, die Musiker hätten nicht eine Sekunde daran gedacht, Singles fürs Radio zu produzieren. So ein Quatsch. Jedes Lied ist ein Hit: Wenn man sie zwei- oder dreimal gehört hat, lassen sie einen nicht los, man singt ein oder zwei Zeilen immer wieder und trommelt mit ein oder zwei Fäusten auf ein imaginäres Schlagzeug ein. Das einzige, was jedes Lied auf The Century of Self von Radiohits unterscheidet, ist, dass sie einem nach dem zweiten Mal Hören nicht auf die Nerven gehen.
Und dann noch etwas: Fast immer wird die Band nur noch „Trail of Dead“ genannt, mitunter mit der Begründung „denn wer will einen so langen Bandnamen immer und immer wieder schreiben“. Aber „Trail of Dead“ haben es verdient, dass wir uns Zeit für sie nehmen und ihnen auch das „And You Will Know Us By The“ geben.

Fazit: Wenn solche Lieder häufiger im Radio kämen, würde ich in Kauf nehmen, mich offiziell zu meiner Leidenschaft für Radiohits zu bekennen.

Kerstin Petermann

2008 war eine gute Zeit für Tomte. Bevor das Jahr zu Ende ging, trafen Linda und Diana Sänger Thees Uhlmann im emsländischen Lingen, wo sie im „Alten Schlachthof“ eines ihrer fast schon traditionellen Konzerte gaben. Neben einer gemütlichen Atmosphäre hat der Schlachthof auch einen Interview-Raum im Look alter Viva-Studios zu bieten. Zwischen roten Möbeln und Kunstrasen ließ es sich gut über Tomtes Anfänge, Glück und die wirklich großen Themen der Kunst plaudern.

Ich glaube, ihr spielt fast jedes Jahr in Lingen, oder?

Joa, so alle ein, zwei Jahre, manchmal auch öfter.

Kannst du dich an das erste Mal erinnern, als ihr hier wart und wie viele Leute da waren?

Drei oder so. Ich kann mich erinnern, dass ich da einen geliebten Pullover von mir verloren habe. Wir waren die Vorband von Muff Potter und ich weiß noch, dass der Sänger eine Palette Dosenbier ins Publikum geworfen hat, bevor es mit dem Konzert losging.

Mittlerweile sind Muff Potter beim Grand Hotel und ich finde es schön, wenn Kreise sich auf so eine Weise schließen. Ich war mit Nagel ja auch schon auf Lesetour. Was ich am alten Schlachthof besonders gut finde: Wenn es so etwas dort gegeben hätte, wo ich herkomme, dass sich jemand um eine Subkultur, Popkultur, Rock n´ Roll, oder wie du es nennen willst kümmert, dann wäre mein Leben schneller cool gewesen, glaube ich. Erstens ist der Laden hier geil, zweitens spreche ich die gleiche Sprache, Norddeutschland eben. Es gibt nur gute Gründe, hier in Lingen zu spielen.

Ihr könntet hier in Lingen aber auch in der Emslandhalle spielen, wo viel mehr Leute reinpassen würden und die ihr vermutlich auch voll bekommen würdet.

Wenn viele Leute kommen würden, würde ich vermutlich auch in der Emslandhalle spielen. Aber das ist hier einfach näherliegend, weil hier ein schöner Ort für Konzerte ist und man sich auch nicht wie ein einer Rockfabrik fühlt.

Ist das ein Luxus, den ihr euch inzwischen leisten könnt: „Wir spielen in kleinen Clubs, weil es da so nett ist.“?

Nein, dafür ist Geld mir zuviel wert. Ich muss kein Millionär werden, aber ich bin froh um jeden Euro, den ich mit Tomte verdienen kann, weil es eine ganze Zeit lang schwierig war.

Kommen wir jetzt mal zu eurem neuen Album „Heureka“, was frei übersetzt soviel wie „Ich habs gefunden!“ bedeutet. Was genau habt ihr denn gefunden?

Also ich für mich habe festgestellt, dass ich mit 34 Jahren noch nie soviel Spaß daran hatte, Lyrik zu schreiben, Das macht mich sehr glücklich weil ich es mir inzwischen auch mit 44 vorstellen kann, noch Musik zu machen. Das ist der erste Plattentitel, den wir uns gegönnt haben.

Fühlst du dich wie der idealtypische Mittdreißiger, der angekommen ist, ein bisschen mehr bei sich ist als mit Mitte 20?

Ich habe schon meinen Platz gefunden, ja. Es ist aber auch sinnvoll, dass man das mit 25 noch nicht hat, mit 35 aber schon. Das heißt aber nicht, dass ich schon satt bin, sondern ich bin eher noch hungriger als bei der letzten Platte.

Mich interessiert noch, wie du schreibst: Bist du eher ein intuitiver Schreiber oder hat sich deine Arbeit schon so professionalisiert, dass du einen Zuhörer vor Augen hat, der dich hören will und vielleicht auch etwas Bestimmtes hören will?

Nein, das ist nicht so. Ich denke auch, dass viele gerne Tomte hören, weil sie spüren, dass sie nie das Objekt der Begierde waren. Das Objekt der Begierde war es immer, einen kleinen Funken Wahrhaftigkeit zu entdecken in der Soße, die sich Leben nennt. Ich bin niemand, der sich in einem Moment hinsetzt und einen ganzen Text schreibt, sondern das ist oft ein monatelanger Prozess. Oft schreibt man bei den Aufnahmen noch dran rum, weil irgendwas nicht passt oder einen eine Vokabel anekelt. Trotzdem kommt manchmal schon der Moment, in dem mich die berühmte Muse küsst und ich denke: Der Satz ist gut, der beschreibt etwas. Aber den Text darum herum zu bauen dauert lange.

Was brauchst du, damit dich die Muse küssen kann?

Eigentlich brauche ich nur drei Tassen Kaffee, zwei Zigaretten und Zeit zwischen 10 und 14 Uhr. Ich schreibe am liebsten morgens.

Jemand hat mal gesagt: „Es gibt nur zwei große Themen in der Kunst: Die Liebe und der Tod.“ Würdest du das unterschreiben?

Und Bier. Man kann natürlich auch sagen, dass Bier eine Unterordnung von Liebe und Tod ist. Ein Emotionsbeschleuniger aber auch Lebensverkürzer. Aber ich habe selbst mal gesagt, dass ich nur über fünf Themen singe: Gier, Lust, Tod, Bier und Hass. Ich schreibe ungern situativ. Zum Beispiel darüber, wie toll der Abend im Lingener Schlachthof war. Darüber könnte man bestimmt wahnsinnig tolle Songs schreiben, aber das macht mich nicht heiß. Ich schreibe auch keine Songs über Nazis, weil ich für mich darin keinen fundamentalen Sinn sehe. Ich interessiere mich für eine gewisse Wahrhaftigkeit, eine gewisse Universalität. Das sind die Sachen bei denen ich merke, dass mein lyrisches Herz heiß wird, weil man da an einer Sache dran ist, die einen fasziniert und einem wichtig ist.

Wegen dieser emotionalen und teilweise auch extremen Themen passiert es dir, dass du häufig Mails bekommst und nach Konzerten von Leuten angesprochen wirst, die dir ihre eigenen Erlebnisse erzählen. Ist dir diese Intimität nicht manchmal unangenehm?

Dafür ist Rockmusik doch da, ehrlich gesagt. Ich bin nun mal der Sänger dieser Rockband und ich freue mich dass ich in einer Band bin, wo man solche Mails überhaupt bekommt. Früher hat so was vielleicht der Priester gemacht und sich den Scheiß der Bevölkerung angehört. Die Welt ist jetzt eine andere geworden und es ist eine Ehre und eine Verantwortung, aber das halte ich noch aus.

Meinst du, dass Tomte deshalb beliebt sind, weil ihr über Themen singt, die in Songs selten vorkommen, die aber jedem Menschen passieren?

Ich glaube einfach, dass wir typische Rockthemen haben. Neil Young schreibt einen Song über Kurt Cobain und muss dazu keine Stellung nehmen. Ich muss es schon tun, weil es in Deutschland vielleicht ungewöhnlich ist.

Kannst du es verstehen, dass viele mit eurer Art Musik zu machen nicht umgehen können, weil ihnen die Themen zu hart sind und sie sich beim Zuhören peinlich berührt fühlen?

Das kann ich verstehen, ja. Ich finde aber, es ist ein gutes Zeichen, wenn Leute sagen: Das pack ich jetzt nicht, das ist mir zu heftig. Weil ich immer ein großes Interesse an Härte habe.

Du hast mal erzählt, dass jemand in der Textzeile „Können wir uns einigen?“ (Voran, voran) eine Anspielung auf die deutsche Wiedervereinigung gesehen hat. Passiert es dir häufiger, dass Leute etwas anderes oder zuviel in die Texte reininterpretieren?

Das geht ja gar nicht, wenn ein Rezipient seine eigene Wahrheit erschafft, kann man ja nicht sagen, das sei falsch. Ein Song ist ja kein Gerichtsurteil, sondern eben ein Song. Man bekommt so was auch selten mit, Interpretationen bleiben ja meist privat. Was mir nur aufgefallen ist: Mir wird ja häufig Arroganz unterstellt. Und wenn ich dann singe: „Alles was du brauchst, findest du bei mir“ bin nicht ich gemeint, sondern es ist eine Zeile, die eine bestimmte Hoffnung weitertragen soll.

Was bedeutet Glück für dich?

Nach einem guten Konzert eine Zigarette zu rauchen.

Linda Wilken, Diana Burchgardt